De største trendene innen grafisk design

Trender innen grafisk design følger sykluser – minimalisme følger maksimalisme, nostalgi følger innovasjon, monokrom følger fargeeksplosjon og så videre. Samtidens design reflekterer en økende spenning mellom to motstridende krefter: avvisningen av digital sterilitet og ornamentikkens tilbakekomst.

På den ene siden ser vi en bevegelse mot ufullkommenhet, tekstur og et taktile. På den andre siden gjør dristige, slående visuelle uttrykk comeback. Finn ut mer om grafisk design-trendene som er i vinden nå, og de som kan dukke opp i årene som kommer.

Topp grafiske designtrender

• Chicken scratch
• Strukturert scrapbook
• Minimal maksimalisme
• Hyperfarge
• Merkelig historisisme

Estetiske skift er sjelden ryddige kategorier – elementer fra én bevegelse siver inn i en annen, og det som starter som et nisjeeksperiment, kan raskt bli neste favoritt i massemarkedet. De følgende fem fremvoksende grafiske designtrendene gir et øyeblikksbilde av hvor ting er på vei, der hver responderer på de samme underliggende spenningene på sin egen måte:

Chicken scratch

I en verden der hvem som helst kan generere feilfrie illustrasjoner med et knappetrykk, er det mest opprørske en designer kan gjøre, å tegne noe stygt. Chicken scratch er den bevisste avvisningen av finpussing – håndtegnet, upresist og ofte på grensen til grovt. Men i motsetning til tidligere naivisme eller folkekunstestetikker, handler ikke dette om varm, taktil sjarm. Det finnes ingen fantasifull fargeblyantekstur, ingen nøye ufullkomne penselstrøk. I stedet bruker chicken scratch en veldig spesifikk type slurvete utførelse – mer dårlig skribling enn kunstferdig skisse. Disse rå, uregelmessige formene og klossete tegnede elementene avviser elegant polering til fordel for noe som føles rent instinktivt, og etterligner den utrente menneskehånden.

Nøkkelelementer omfatter:

• Løse, skjelvende linjer – vaklende, ujevne strøk som ser hastige eller ustødige ut.
• Digitalt innfødt – digital tegning som i iPad-krittemalerier eller Microsoft Paint-linjer.
• En minimalistisk tilnærming til layout – svart-hvitt-fargepaletter eller ensfarget bakgrunn for å fremheve skriblingen.

Generativ kunstig intelligens (KI) har blitt bemerkelsesverdig god til å imitere virkelige materialer – falske oljemalerier, realistiske blyanttegninger, teksturert folkekunst. Det den sliter med, er den klossete, lavintensive strektegningen som kjennetegner menneskelig latskap. KI kan gjenskape en kulltegning perfekt, men det er vanskeligere å få den til å lage noe som ser ut som det ble rablet ned i Microsoft Paint på to sekunder. Det er der chicken scratch trives: Den refererer til umiddelbarheten i digitale verktøy, men kjemper mot deres ufeilbarlige presisjon. Effekten er rå, upolert og tydelig utrent – bortsett fra at disse valgene selvfølgelig er helt bevisste.

Kilde: Good Sh*t

Kilde: Radford

Denne estetikken dukker opp i merkevarebygging og emballasjedesign, ofte kombinert med sterk minimalisme for å forsterke kontrasten mellom nøye utformet design og bevisst slurvete utførelse. Hudpleiemerket Radford og det probiotiske merket Good Sh*t brus heller enda mer mot estetikken, med logo og emballasje som virker nesten aggressivt lavintensiv – som graffiti på en ungdomsskolepult – kombinert med rene og moderne sans serif-fonter og rikelig hvitt rom for å forsikre publikum om at valget aldri var utilsiktet.

Kilde: Emmy Squared Pizza

Designbyrået Saint Urbains arbeid for restaurantgruppen Emmy Squared Pizza har maskoter med vaklende, disproporsjonerte trekk som minner om et førskoleklasseprosjekt. Alex Ostroff, kreativ direktør i Saint Urbain, sier at trenden “definitivt er en respons på KI og ønsket om design som føles umiskjennelig menneskelig. I tillegg er mat og drikke mer personlig enn noen annen bransje – vi er så emosjonelt knyttet til matminnene våre. For Emmy Squared hadde klienten vår uttrykt interesse for 'rare pizzakannibaler', og vi bare kjørte på. Vi ville at de skulle føles som noe et rart barn ville ha tegnet på en bordplate mens de kjeder seg på middag med foreldrene sine.”

Strukturert scrapbook

Designere har alltid elsket å samle på ting, men det er først nylig at det å samle på ting faktisk har begynt å bli betraktet som design i seg selv – og den fremvoksende trenden “strukturert scrapbooking” er virkelig en designers lek. Den er visuelt presis, metodisk og nøye kuratert, med fokus på å bevare øyeblikk og samle referanser. Fragmenterte elementer og fysiske teksturer er lagdelt med en intensjon: Papir er revet akkurat på den måten, og klistremerker og stempler føles bevisst plassert, ikke tilfeldig.

Nøkkelelementer omfatter:

• Lagdelte papirteksturer – revne kanter, tapede elementer og digitale utklipp arrangert med presisjon.
• Stemplet og klistremerkeaktig grafikk – poststempel-aktige segl, ovale merker og falske klistremerker som tilfører struktur.
• Blandede mediekomposisjoner – blanding av fotografi, skannede papirer og håndtegnede elementer.

Et av nøkkelelementene som gjør at strukturert scrapbook skiller seg ut, er bruken av merker, stempler, klistremerker og tape – ikke bare som pynt, men som kompositoriske verktøy. Disse elementene gir et rammeverk, forankrer tekst eller bilder og tilfører samtidig en følelse av noe taktilt. Stemplede segl, falske poststempler og ovale merker skaper en følelse av noe autentisk, og forsterker ideen om at dette er en kuratert samling snarere enn en tilfeldig kollasj. Tape, enten digital eller ekte, fremstår som et visuelt motiv – noen ganger skarpt og grafisk, andre ganger gjennomsiktig og lagdelt over bilder som om det fysisk er festet til siden.

Kilde: Porto Rocha

Porto Rocha sin merkevareidentitet for Tudum, Netflix' redaksjonelle plattform, heller mot å være en eklektisk kollasj i den digitale verden, og smelter sammen vintage trykkmaterialer, skannede teksturer og dristige utklipp til en estetikk med høy energi som føles både historisk og moderne på samme tid.

En strukturert scrapbook leker med virkeligheten – blander digitalt og analogt sømløst for å føles både tidløs og aktuell. Dens omfavnelse av fysiske teksturer og lagdelte papirelementer spiller på en bredere interesse for miljøansvar og gjør-det-selv-sensibilitet, mens dens polerte redaksjonelle tilnærming naturlig egner seg til å fremheve produkter – tross alt pleier scrapbøker å reflektere det folk liker. Dette gjør trenden spesielt effektiv for merker som ønsker å skape visuelt engasjerende, taktile emballasje- og detaljhandelsopplevelser.

Minimal maksimalisme

Etter de siste årenes veksling mellom elegant 2010-talls minimalisme og dopaminutløsende post-covid-maksimalisme, prøver minimal maksimalisme endelig å finne en balanse mellom de to. Denne trenden tar sikte på å fange både stille luksus og ekstravagant overskudd på en gang ved å gjøre ett dristig, ekspressivt trekk mens alt annet holdes tilbakeholdt. Det kan bety en særegen logo med høy effekt på ellers spartansk emballasje, en enkelt eksentrisk illustrasjonsstil innenfor et strømlinjeformet system, eller et overdimensjonert foto som tar plass mens resten av designet forblir stramt og rent.

Nøkkelelementer omfatter:

• Overdimensjonert, dristig typografi – store, selvsikre typer som designets fokuspunkt.
• Sterke fokuspunkter med tilbakeholdne layouter – ett enkelt element med høy effekt balansert av negativt rom.
• Kontrasterende typestiler – kombinasjon av klumpete eller dekorative fonter med rene, enkle sans-typer.

Merkevarer omfavner denne tilnærmingen fordi den får minimalisme til å føles mindre generisk og maksimalisme mer tilgjengelig. Er det for minimalistisk, risikerer designet å se forretningsaktig og ut – og det blir lett å glemme. Er det for prangende, fremmedgjør det publikum. I motsetning til stygg minimalisme, som stripper alt ned til sterilitetspunktet, finner minimal maksimalisme middelveien – og tilbyr akkurat nok personlighet uten å ofre klarhet. Den reflekterer også en økende avvisning av standard merkevarebygging av hyllevarer. Design blir mer ekspressiv, men på en måte som fortsatt føles kontrollert.

Typografi er ofte det viktigste. Fremveksten av store merkelogoer og overdimensjonert type – spesielt i nettdesign, der merker elsker å slippe en gigantisk logo i bunnteksten – reflekterer denne drakampen mellom tilbakeholdenhet og overskudd. Second Marriage Studios arbeid for Besties, et hudpleiemerke for tenåringer, er et eksempel på dette: Merkets flerfargede logo er prangende og leken, men den sitter innenfor et strippet system – ensfargede emballasjer, enkel utvidet sans serif-skrift og minimalt med visuelt rot.

Kilde: Besties

“Jeg syntes den minimalistiske trenden var så trist”, sier Erin Rommel, kreativ direktør i Second Marriage Studio. “Ja, det kom noe vakkert, tidløst design ut av det, men da alle nye D2C-merker hadde en ren sans serif og en fargepalett i dus pastell, begynte det å føles som mangel på fantasi. Vi kalte det 'zombie-minimalisme' – designene ble utskiftbare og sjelløse. Enkelhet fungerer fint på baderomshylla, men personlighetstrekk er sjarmerende, og særegenheter er til å bli glad i. Jeg vil ikke ta bort alt dette for å være på den sikre siden.”

På samme måte lener Caleb Vanden Boom Studio sin merkevareidentitet for Clue Perfumery seg mot en særegen, sammenhengende displaylogo som dominerer etiketten, mens alt annet forblir rent og tilbakeholdt. Denne typen design fungerer fordi den er selvsikker uten å være overveldende – en enkelt uttalelse som har plass til å skille seg ut.

Kilde: Clue Perfumery

Hyperfarge

Dagens design former seg til å bli et fullblods fargeopprør. Dempede paletter og smakfulle nøytrale toner viker for hypermettede fargetoner, sjokkerende kontraster og kunstige, nesten radioaktive fargekombinasjoner. I motsetning til den nøye vurderte dristigheten i minimal maksimalisme, som gjør ett enkelt stort trekk innenfor en ellers tilbakeholdt layout, trives hyperfarge på overskudd. Den kombinerer farger som ikke burde fungere sammen, presser kontrast helt til grensene og forplikter seg fullt ut til paletter med høy energi som krever oppmerksomhet.

Nøkkelelementer omfatter:

• Dristig metning – lyse nyanser som grønt, lilla og rosa.
• Høyeffekt bruk av farge – la paletten din være fokuspunktet i et design.
• Lekne komposisjoner – balansering av dristig farge med andre livlige valg.

Denne trenden har mye til felles med fargepaletter fra fortiden: den syrelyse emballasjen på 80-tallets forbruksvarer, de dristige fargene på Grøsserne-bokomslag og de groteske, overdrevne nyansene til Garbage Pail Kids-samlekort. Selv om hyperfarge kan fremkalle minner om barndommen, handler det egentlig ikke om nostalgi. I stedet reflekterer det måten farge opererer på i samtidens digitale kultur: ultramettet skjermer, KI-genererte drømmelandskap og sosiale medier-filtre som presser nyanser inn i hypervirkelighet. Hyperfarge er visuelt volum som merkevarestrategi.

Kilde: Heyday Canning

Heyday Cannings merkevarebygging, designet av Outline, bruker hyperfarge-trenden med rike, tone-i-tone-paletter som henviser til design fra midten av forrige århundre, samtidig som tingene holdes dristige, lekne og moderne. I mellomtiden omfavner Earthling Studios arbeid for istemerket Halfday dristige, kolliderende lyse farger for å kanalisere den eksplosive energien fra 1990-tallets varemerkevarebygging for drikkevarer – oppdatert for den moderne, helsebevisste forbrukeren. Og i sportsverdenen bruker Brethren Design sin Invader-racket for Bread & Butter Pickleball en sjokkerende lilla og grønn palett hentet rett ut av en Nickelodeon-slimbeholder.

Kilde: Halfday

Kilde: Bread & Butter Pickleball

Hyperfarge er spesielt effektiv i forbruksvarer, der emballasjen må skille seg ut både i butikk og i hendene på influensere. Disse palettene er ikke bare iøynefallende – de er konstruert for engasjement. De neonaktige nyansene og ekstreme kontrastene gjør seg bra på bilder, er iøynefallende på sosiale feeder og trives i den høyt visuelle verdenen av sosiale medier-markedsføring. Hvis en farge ser litt for kraftig ut på skjermen, kan det være akkurat poenget.

Merkelig historisisme

1400-tallet er helt i tiden (faktisk!). Designere graver lengre tilbake i tid for inspirasjon, bytter ut referanser fra midten av forrige århundre og retro-bilder med noe rarere, mørkere og mye, mye eldre. Gotisk skrift, gobelenglignende mønstre og intrikat ornamentering finner veien inn i merkevarebygging, emballasje og visuelle identiteter, og skaper et designspråk som føles historisk, men ikke fullt forankret i én enkelt epoke.

I motsetning til de velbrukte estetikkene fra 1960-, 70- og 80-tallet, lener denne trenden seg mot referanser som føles urørte, obskure og rike på symbolikk. Merkelig historisisme handler like mye om verdensbygging som om design. I stedet for bare å låne gamle stiler, konstruerer designere nye visuelle språk fra fragmenter av fortiden, og remikser historie til noe ukjent, men likevel stemningsfullt. Resultatet er merkevarebygging og visuelle identiteter som utstråler historie – enten ekte eller oppfunnet.

Nøkkelelementer omfatter:

• Gotisk og barokk skrift – gotisk-inspirerte fonter med utsmykkede detaljer.
• Tette, gobelenglignende mønstre – høyt dekorative bakgrunner med intrikate utsmykninger.
• Mørke, dempede farger – jordfarger som rike bruntoner, dype grønntoner, falmet gull og desaturert rødt.

Kilde: Deborah Khodanovich

Deborah Khodanovich sitt Gossip-prosjekt og skrifttype gjengir en pikslet blackletter sammen med korsstingsinspirerte illustrasjoner, og smelter sammen middelalderske typografiske tradisjoner med digital estetikk. Denne trenden strekker seg utenfor grafisk design til mote og interiør – som Chappell Roans Jeanne d'Arc-inspirerte rustning ved 2024 MTV Video Music Awards, Halseys middelalder-tematiserte turgrafikk og den nylige fremveksten av ringbrynje i interiørdesign.

En del av denne gjenopplivingen er en reaksjon på den utflytende effekten av moderne digital estetikk. Ettersom designtrender har blitt stadig mer strømlinjeformet – dominert av minimalisme, geometriske former, sans serif-fonter og KI-genererte bilder – er det en økende etterspørsel etter kompleksitet, ornamentering og en følelse av menneskelig preg. Merkelig historisisme tilbyr masse av dette. Appellen ligger i dens evne til å bære flere betydninger samtidig: arv og opprør, permanens og forfall, opplysning og mørke.

Slik kan du innlemme grafiske designtrender i din visuelle strategi

1. Løs et problem
2. Miks og match
3. Tilpass til din merkevarestrategi
4. Gjør det til ditt eget

Hvilke av disse trendene kommer til å holde seg? Hvilke vil føles utdaterte innen årets slutt? Og hvordan bruker designere dem uten å miste sin egen stemme?

Hopper du på hver nye designtrend, får du bare arbeidet ditt til å se utdatert ut. I stedet for å jakte på estetikk for estetikkens skyld, får du her tips om hvordan du bruker trender på en måte som føles bevisst og originalt.

1. Løs et problem

Før du bruker en trend, bør du spørre deg selv om den gjør designet bedre, eller bare annerledes? De beste trendene løser et problem. Strukturert scrapbook, for eksempel, er ikke bare en estetikk – det er også en effektiv måte å legge til taktilitet og visuell lagdeling til ellers flate, digitale komposisjoner. Minimal maksimalisme, på den annen side, kan tillate designere å holde ting rene og lesbare samtidig som de gir personlighet. Tenk gjennom hva du vil at merket ditt skal si, så veileder det deg mot trendene som er mest nyttige for deg.

2. Miks og match

Flott design skjer i skjæringspunktet mellom flere påvirkninger. Hvis noe bare er trendy, føles det ikke friskt. I stedet for å kopiere trender direkte, kan du mikse dem med uventede referanser. Hva skjer hvis du kombinerer høyeffekt-nyanser i hyperfarge med den rigide strukturen til sveitsisk typografi? Eller hvis du smelter sammen den middelalderske særheten i merkelig historisisme med bilder du tok på et digitalkamera? Den beste måten å bruke trender på er ofte ved å remikse og kombinere dem til noe uventet.

3. Tilpass til din merkevarestrategi

Ikke alle trender fungerer for alle merker. Et rent, bedriftsaktig finansteknologi-selskap vil kanskje ikke dra nytte av den esoteriske naturen til merkelig historisisme, og et gammeldags luksusmerke kan se latterlig ut ved å bruke skriblerier og gjør-det-selv-estetikk fra chicken scratch. Men et motemerke som vil bryte kategorinormer? En teknologisk oppstartsbedrift som ønsker å skille seg ut? De kan finne noe uventet i disse trendene. Hyperfarge gir for eksempel mening i bransjer der bilder som fanger oppmerksomheten betyr mest – som mat, drikke og sportsmerkevarebygging, der dristig farge kan føre til gjenkjennelse og at merket blir lett å huske. Nøkkelen er å tilpasse designvalg etter strategi.

4. Gjør det til ditt eget

Den største fallgruven ved trenddrevet design er at det raskt kan bli generisk – så snart noe sprer seg over idetavlene på TikTok og casestudier for merkevarebygging, begynner det å føles utspilt. Den beste måten å få trender til å fungere for deg på, er å tilføre dem ditt eget perspektiv.

Hvilke personlige referanser, ideer eller påvirkninger kan du bringe inn i en trend? Hvordan kan du undergrave den? Målet er aldri å holde tritt med trender for trendenes skyld – det er å bruke dem som råmateriale for å lage noe nytt.